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jueves, 17 de abril de 2014

Imágenes del Jueves Santo en Madrid

Querido lector me dispongo ahora a proponerte algunas imágenes relacionadas con el Jueves Santo que podemos contemplar en la ciudad de Madrid. Dos de ellas son obras maestras que se encuentran en el Museo del Prado, otra es el lienzo central de la iglesia de las Carboneras. Y, por último, dos imágenes en escultura que saldrán en procesión esta misma tarde. Adentrémonos en su contemplación.
"El Lavatorio", de Tintoretto
Debemos agradecer al rey Felipe IV la adquisición de esta obra en la subasta celebrada tras la muerte del rey Carlos I de GB. Tintoretto la ejecutó en 1547 como encargo para la scuola del Sacramento en la Iglesia veneciana de San Marcuola. Plantea una composición de carácter narrativo para ser vista desde derecha a izquierda, de ahí esa perspectiva lateral, y el suelo con el efecto visual de transformarse según vamos avanzando (los rombos del pavimento son todos distintos y se van adaptando a nuestra mirada). Tintoretto sigue una composición con una tipo de escenografía teatral. Frente a la serenidad y proporción de Tiziano, él usa de mayor movimiento y tensión dramática. Conoce la obra de Miguel Ángel y nos muestra el dominio del escorzo, el tratamiento del cuerpo humano y el dramatismo. Hay muchas escenas dentro de otras escenas y gran variedad de planos
La escena principal, ya que se accedía a la sala por la derecha, son las figuras de Jesús, arrodillado, lavando los pies a San Pedro ante la atenta mirada de San Juan. Justo en el eje con la cabeza de Jesús, hay esbozado un dibujo de la Santa Cena que tendrá lugar después. Luego la mesa en diagonal y, alrededor de ella varios discípulos charlando tranquilamente o disponiéndose a quitar las botas. Incluso un escorzo de dos personajes en diagonal, delante del arco central, ayudándose uno al otro. Todos los discípulos están provistos de una aureola de santidad menos Judas, lejano y ajeno a la escena, que los mira apoyado en un pilar de un arco (ya había tomado la decisión de traicionar a su maestro por unas monedas). El perro y el otro personaje situado en el ángulo opuesto al de Jesús, nos introducen en la escena, que cambia totalmente si te sitúas en el punto de vista de la figura de la banqueta. Hay un gran naturalismo y movimiento.

Detalle, imagen de Semana Santa criptana
La originalidad de los diferentes fondos imaginarios pensados por Tintoretto va unida al naturalismo y el dominio de las luces y sombras, así como de los colores venecianos. Esos fondos los toma de diversos tratados de Vitrubio, pero sustituye en enlosado de éste por canales venecianos, lo que aligera más este gran lienzo, de 2,10 x 5,33 cm.
"La última cena", de Juan de Juanes
Esta obra representa la mejor producción del pintor renacentista valenciano, Juan de Juanes, hijo del también pintor Juan Vicente Masip, y que superó en fama a su padre, tanto dentro como fuera de España. Siempre gozó de gran reconocimiento. Está inspirada en la Santa Cena de Leonardo da Vinci, pero nos presenta el propio momento en que Jesús instituye la Eucaristía. La disposición de la mesa y de los apóstoles, agrupados de tres en tres, lo mismo que el fondo de paisaje nos recuerdan al gran Leonardo, pero aquí se da una mayor comunicación entre los apóstoles y más expresividad en sus actitudes. El dibujo, el colorido y los dulces rostros recuerdan al otro gran pintor italiano, Rafael.
"Santa Cena" de Juan de Juanes (artisangallery)
En primer plano los elementos utilizados antes para el lavatorio. La Santa Cena tiene lugar siempre en una estancia amplia y algo elegante, con suelo de mármol creando perspectiva y fondo de arcadas clásicas con columnas y cortinaje. La iconografía cristiana sigue lo que transmiten los Evangelios acerca del lugar donde se celebró, una casa grande que había en Jerusalem y que se usaba para alojar peregrinos durante la Pascua. Un discípulo de Jesús, seguramente José de Arimatea la dejaría. Como comentaba, a lo que apuntan los Evangelios se suma la tradición oral y los datos aportados por historiadores y arqueólogos, junto a algunas visiones de santos sobre el lugar donde se celebraría. A la derecha, sentado en una banqueta pero con una pierna fuera, con actitud de querer irse pronto, está Judas, quien sostiene en su mano derecha la bolsa con el dinero, ya que él era el encargado de las cuentas del grupo de apóstoles. Todos los demás tiene dibujada una fina corona de santidad con su nombre. San Pedro, con barba, el más mayor y ya cabeza de la futura iglesia, se sienta a la derecha de Jesús. San Juan, el más joven, a su izquierda. Jesús apoya su mano izquierda sobre su corazón, símbolo del Amor que se nos da, y con la derecha, en alto, sostiene el trozo de pan, en círculo porque está en el mismo momento de instaurar la Eucaristía " Mientras estaban comiendo tomó Jesús pan y lo bendijo, lo partió y, dándoselo a sus discípulos, dijo: "Tomad y comed este es mi cuerpo" " (San Mateo, 26, 26-27). Debajo, como dato curioso, el santo grial que se conserva en la catedral de Valencia y que Juan de Juanes conocía a la perfección, por eso lo dibuja como estaba durante el sXVI. Esta obra es óleo sobre tabla y está fechada en 1562.

"La Santa Cena", de Vicente Carducho ( Iglesia de las Carboneras)
Entre los muros de este sencillo convento de las Carboneras, que fundara doña Beatriz Ramirez de Mendoza por 1607 parece como si el tiempo se hubiera detenido en ese siglo XVII. Todo en él es sencillez y paz. El retablo, obra de Antón de Morales, nos lleva la mirada hasta el gran lienzo central donde Vicente Carducho, representa la Santa Cena. Carducho es la castellanización de Vicenzo Caducci. Pintor napolitano que vino junto a su hermano para trabajar en el Monasterio de El Escorial al final del reinado de Felipe II. También trabajó para Felipe III y era el pintor más influyente de la corte hasta la llegada de Velázquez, quien lo desbancaría. Realizaría este lienzo en 1634 y, como es un convento dedicado a la adoración eucarística, nada mejor que el tema de la Santa Cena.

Es muy original la disposición de la mesa y los apóstoles. Está colocada en vertical, no en horizontal. Al fondo Jesús se nos muestra en el momento de instaurar la Eucaristía. Los apóstoles en los laterales se van a cercando hasta nosotros. Este tipo de composición abierta y con la mesa en vertical nos invita a participar de la escena, a que el espectador entre dentro de la propia pintura. Este lienzo necesita un gran proceso de restauración. Están oxidados los barnices, el color se ha perdido: los verdes, rojos, blancos no se aprecian.

Imagen de Nuestro Padre Jesús Nazareno "El Pobre"
Esta talla de madera policromada es anónima del s.XVIII (se trata de un seguidor de Juan de Astorga) y se encuentra en la iglesia de San Pedro (Calle Nuncio nº 14). Pertenece a la Hermandad y Cofradía de Nazarenos de Jesús Nazareno el Pobre y María del Dulce Nombre en su soledad. Tal día como hoy saldrá a la calle por el Madrid de los Austrías. Recomiendo acercarse a ver su salida, por la estrecha puerta de la iglesia, ya que se tienen que arrodillar los 42 anderos para poder sacarla y tardan un rato que se ve animado por los aplausos de la gente.
El rostro y manos están tallados de manera muy suave y con dulce expresión. El pelo es natural, lleva rica túnica burdeos bordada, corona de espinas y soga al cuello. Se nos muestra de pié, sereno.
Nuestro Padre Jésus del Gran Poder y María Santísima de la Esperanza Macarena
Estas imágenes salen de la Colegiata de San Isidro (calle Toledo nº 37). Jesús del Gran Poder es una talla moderna, copia de la existente en Sevilla, realizada por José R. Fernández Andes en 1942. Está situada habitualmente dentro de una capilla muy barroca, cubierta por cúpula con pechinas, con mármoles y decoración en dorado, a la derecha de la nave principal.

Estas fotos están sacadas cuando se estaba preparando el paso. Para ello lo cambian de su capilla habitual y lo trasladan a la de en frente, la del Sagrario. Jesús va inclinado, lleno de llagas y heridas, con la cruz a cuestas, la expresión que nos muestra es de abatimiento. También presenta corona de espinas tallada, soga al cuello, túnica púrpura bordada y unos rallos de santidad en bronce dorado. La túnica color rojo simboliza dos cosas: el color de la sangre de la Pasión, y la túnica roja que le pusieron a modo de burla en el pretorio de Poncio Pilatos, después de azotarle y coronarle con espinas. En el suelo el paso solo lleva flores rojas.

María Santísima de la Esperanza Macarena es una talla del s XX, realizada por Antonio Eslava Rubio en los años 50. Habitualmente se encuentra en la segunda capilla de la derecha, vestida con túnica verde, con bordados de plata y pedrería. También es copia de la de Sevilla. En el origen de estas cofradías hay muchos andaluces residentes en Madrid. En la tarde del Jueves Santo sale de la Colegiata en procesión detrás del Cristo del Gran Poder. Es digno de verse por estas callejuelas del Madrid de los Austrias, cuando oscurece y se iluminan los pasos con las grandes velas. También, en algunas ocasiones, el viento nos ha dejado a oscuras. Los fieles no ahorran esfuerzos en regalar a sus imágenes esos trajes, ricos palios y adornos maravillosos que consiguen a base de donativos.
Detalle de la decoración floral en cera en  el paso de la Macarena
Con estas imágenes del Jueves Santo, pertenecientes al patrimonio de Madrid y de los madrileños me despido. Espero que os hayan gustado esta especie de flashes que he lanzado para hoy.

jueves, 10 de abril de 2014

El Círculo de Bellas Artes, CBA

El Círculo de Bellas Artes se fundó como una institución privada en 1880, con la idea de ser "centro de protección de las Bellas Artes y de utilidad pública". Pasó por diferentes ubicaciones en Madrid hasta la sede actual de la calle Alcalá. La construcción de la misma por el genial arquitecto Antonio Palacios no estuvo libre de polémicas. En 1919 el CBA convocó un concurso para la construcción de su nueva sede sobre el solar que ocupaban los jardines del adyacente palacio del Marqués de Casa Riera. Ninguno de los proyectos presentados convenció, incluso el de Palacios (que gozaba de gran éxito y acababa de finalizar en la misma área el Palacio de Cibeles y el edificio del Banco de Río de la Plata) fue también rechazado por no adecuarse a las ordenanzas municipales en cuanto a la altura. La presión de los socios hizo que se retomara el proyecto de Antonio Palacios y se pudieran iniciar las obras del mismo en 1921. Duraron hasta 1926, año en que queda la nueva sede inaugurada por el rey Alfonso XIII. Para la ocasión se celebró una exposición de pinturas de Ignacio Zuloaga. Desde siempre el CBA mostró una inquietud e interés por promover la cultura, específicamente en el ámbito de las artes plásticas y escénicas. Por su directiva pasaron, por ejemplo, Jacinto Benavente o Arniches. Picasso fue uno de los alumnos de las clases de pintura en esta institución, pero en otra sede...También Valle Inclán era un asiduo a sus salones.

Declarado monumento nacional en 1981, un tiempo después (1983) comienza una fase de refundación, renovando y ampliando sus actividades, con un aire multidisciplinar y mucho más abierto al gran público. Desarrolla una labor de conferencias de diversa temática, como literatura, política, ciencias o filosofía. También impulsa las artes escénicas, con espectáculos de danza, funciones teatrales y cine. Así como son importantes sus talleres de pintura de modelos al natural, grabado o litografía. Para este tipo de talleres hay que ser socios, lo mismo que para usar los billares u otro tipo de actividades. No conviene olvidar el gran patrimonio que atesora entre sus muros: 1200 pinturas, esculturas, grabados, cerámica, mobiliario original, documentos y libros.

Del exterior hay que mencionar que, aunque es un edificio situado en una esquina, no está desarrollado como tal, sino que las dos fachadas se estructuran como si fueran fachada principal. Destaca el juego de volúmenes, muchos de ellos yuxtapuestos, las grandes y numerosas aberturas para luz, así como su enorme clasicismo. Presenta 7 plantas. La cafetería es muy amplia, en la fotografía la tapa el toldo. Las ventanas rectangulares de la planta 1ª se corresponden a la Sala Picasso. En la 2ª planta el Teatro Fernando de Rojas, con capacidad para 500 butacas y el famoso Salón de Baile. Al exterior muestra esos elegantes ventanales entre columnas pareadas gigantes con pedazos de entablamento sobre el capitel. La 3ª planta contiene la Biblioteca con más de 4000 libros y la Sala de Presidencia. En la 4ª planta , con esas ventanas con forma de arcos, encontramos la Sala de columnas y el salón de Billar (para socios, en los años 90 incluso se celebró aquí el Mundial de Billar). Los grandes ventanales verticales de la 5ª planta dan lugar a 60 salas o despachos que, además, se pueden alquilar para reuniones, presentaciones, etc.; tienen capacidad para 60-150 personas. En la 6ª se localizan los talleres de pintura, grabado y litografía. En la 7ª el Restaurante, terraza y escultura de Minerva
"Panel orientativo situado al lado del ascensor"
"planta 2 del CBA, que muestra el teatro en uno de los lados y el salón de Baile en el lado opuesto"
"Esquina del CBA, con el detalle de la columna con aire románico en el ángulo, lo cual le da ligereza y más luz a esa parte de la cafetería"
"Otro detalle original de decoración exterior de A. Palacios que recuerda al Modernismo"
Nada más entrar impresiona el amplio hall horizontal y el arranque elegante de esta escalera de mármol con doble tramo y amplia balaustrada. La barandilla de hierro es original. El uso de espejos amplía la perspectiva. Una escultura de Minerva, diosa de la Sabiduría e imagen del CBA nos da la bienvenida. A la izquierda la sala de Exposiciones Goya y, a la derecha, unas preciosas puertas originales talladas en madera y con cristal decorado nos introducen en la Cafetería o "pecera". Se llamaba así no solo por la forma amplia y rodeada de cristal, sino por los "peces gordos" o gente importante que podrías encontrarte en su interior
"Vista del interior de la Cafetería, muy luminosa y amplia, con sus columnas pareadas clásicas y sus frescos de estilo simbolista, así como la escultura de Moisés Huerta titulada Salto de Leucade ,en el centro"
"Entrada a la Cafetería desde el hall"
En las imágenes superiores cedidas por el CBA se ven impresionantes vistas del gran Salón de Baile, de forma alargada, con un amplio espacio central y dos laterales entre columnas y ventanales. Los tonos claros de la decoración le dan todavía más luminosidad. La parte central está cubierta por una gran bóveda pintada por Zaragoza, que es el arranque de la llamada "fuentecilla". Aquí tiene lugar el tradicional Baile de Máscaras más famoso de Madrid por carnavales.
"La sala de columnas se puede utilizar para realizar eventos" (foto cedida por CBA)
"La fuentecilla en el centro de la sala de columnas. Debajo de ella los 18 pilarcitos alargados que constituyen su arranque" (foto Madrid Villa y Corte)
"Cine-estudio" (foto cedida por CBA)
"Sala de Billar, de acceso restringido a socios" (foto Madrid villa y corte)
Desde la azotea de la 7ª planta podemos contemplar estas panorámicas únicas, como las galerías de los tejados de plomo y cinc del Banco de España y el Palacio de Cibeles al fondo. Os recuerdo que todas las fotos que no mencionamos su procedencia son propiedad de SIEMA. Para acceder a la azotea del CBA hay que pagar 3€ o 2 € si se tiene carnet joven.
"Vista de la cubierta del edificio Metrópoli y la Gran Vía con la mole de Telefónica al fondo"
"Vistas de la sede del Instituto Cervantes y, enfrente la antigua CNE"
Como curiosidad entre tanto Madrid del s.XX tenemos la vista de la iglesia barrroca de San José, con sus muros de ladrillo rojo y remates de piedra. También observamos su torre y cúpula barroca con linterna en el centro.
"Minerva y terraza Tartan" (foto CBA)
La Minerva o Diosa que representa a la sabiduría se colocó mucho más tarde, en 1966. La esculpió Vasallo, pesa 3000k y necesitaron de tres grúas para izarla. Es el símbolo del CBA y se aprecia desde lejos. Una vista más cercana, como la siguiente, nos permite localizar en su base la firma del escultor Vasallo.

" Torre del ático"
La torre en el ático no tiene permitido el  acceso. Desde la terraza se ve el arco clásico de medio punto que constituye su base y el templete de planta cuadrada rodeado de columnas que se sostiene sobre la base del arco. Pero en el lado interior, Palacios cambia los volúmenes y líneas y, el muro interior es semicircular con columnas. También destaca la forma escalonada de la torre en su remate.


Desde el muro del jardín del Marqués Casa Riera se pueden descubrir imágenes curiosas del CBA en su fachada a esta calle, donde Antonio Palacios continua alternando volúmenes yuxtapuestos, verticales y horizontales, así como los juegos con arcadas grandes clásicas y ventanales horizontales.

No nos podemos olvidar del Tartan-roof en la azotea, con las propuestas novedosas de Javier Muñoz-Calero y disfrutar de sus tostas, ensaladas, carnes, pescados o cócteles. Imprescindible reservar. No perderse sus "camas" en medio del cesped artificial para descansar. Cuando queráis solicitarnos una visita, nos encanta enseñar los espacios del arquitecto Antonio Palacios.


lunes, 31 de marzo de 2014

Cézanne en Madrid

Gracias al Museo Thyssen- Bornemisza podemos disfrutar en Madrid, hasta el 18 de mayo, de una exposición única que nos acerca a los paisajes y bodegones de Cèzanne, pero desde un punto de vista o perspectiva muy original. El 1969, el artista Robert Smithson lanzó la teoría de que la obra de Cèzanne había sido muy simplificada y tergiversada, sobre todo, por los cubistas. Afirmaba que en Cèzanne se producía una dialéctica entre la pintura al aire libre y la realizada en el estudio. Es lo que se quiere afirmar con esta muestra, que nuestro artista concibe los paisajes ordenándolos como si de una naturaleza muerta se tratara y, al revés, trabaja los bodegones con rasgos de sus paisajes o pintura al aire libre. El Museo Thyssen-Bornemisza tiene en su haber varias obras de Cèzanne, pero el 90% de obras de esta exposición viene de fuera de España, así que merece la pena admirarlas "in situ".
"Ladera en Provenza" (1890, National Gallery de Londres)
Cèzanne nace en Aix-en-Provence en 1839 y muere, también en su querida tierra del S de Francia, en 1906. Marchó por primera vez a París en 1861, pero no le gustó nada la ciudad, llena de ruidos, oscura,  y con muchas obras (pues se encontraba inmerso en el París de las reformas de Hausmann). De esta primera etapa no hay ninguna obra en la exposición. Sí que hay bastantes de su período impresionista, es decir, entre 1870 y 1878. En esa época pasa muchas horas con su amigo Pisarro y participa también en la 1ª y 3ª exposiciones impresionistas, pero se aleja de la ciudad de París y prefiere vivir con su compañera Hortense en LÉstaque, Aix, Pointoise o Auvers. Cèzanne admiraba a Pisarro, decía de él que "fué como un padre para mí, semejante al buen Dios". A su vez, Pisarro confió siempre en su talento, como lo muestran estas palabras "Nuestro Cèzanne nos da esperanzas, y he visto y tengo en casa una pintura de una intensidad y de un vigor notables. Si, como espero, se queda algún tiempo en Auvers y se va a vivir allí, acabará por sorprender a muchos artistas que se precipitaron en condenarle"(carta de Pisarro a Guillemet, sept 1872). Pero durante la década de los 80 rompe con el mundo artístico de París y comienza su etapa de madured. Incluso una obra suya llegó a ser admitida en el Salón Oficial en 1882. Aunque vive habitualmente en Aix, suele realizar muchos viajes, especialmente tras la herencia recibida en 1886 a consecuencia del fallecimiento de su padre. Ese año de 1886 es clave para Cèzanne: rompe con Zola definitivamente, se casa con Hortense y sabrá de la última exposición de los impresionistas, de los cuales se había separado, ya que opinaba que su pintura no era realista, sino que lo real era captar la esencia de las cosas, es decir, las formas de los objetos y la luz impresionista cambia los contornos, las formas.

Su etapa final. En la década de los 90 eligió la propiedad familiar de Jas de Bouffan en Aix para trabajar con tranquilidad. Aunque también alquilaría en 1891 un apartamento en París, especialmente para su mujer y su hijo, que no disfrutaban de la solitaria vida que llevaba su padre en contacto con la naturaleza. Después de vender esa finca en 1899 irá alquilando diferentes cabañas, estudios o puestos donde trabajar a solas con sus paisajes. El último, donde falleció y que inaugura la muestra, era un terreno que compró en 1901 al N de Aix, en la colina de Les Lauves, donde se construyó un estudio de dos pisos con bellas vistas sobre la catedral y la ciudad por un lado, y sobre el monte por otro. Habitualmente solo recibía la visitas de su ama de llaves y de su jardinero. Le interesan los efectos plásticos, los volúmenes, las formas y el color. En 1904 escribía: "Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de esas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera". Cézanne es realmente el padre de la pintura moderna. Tuvo un éxito tardío, ya que su primera exposición individual no tuvo lugar hasta 1895 y, por cierto, no gustó nada al público, pero si a artistas de la talla de Renoir, Monet, Degas o Matisse. A raíz de la exposición póstuma que se celebró en París en 1907 comenzaría a desarrollarse el Cubismo.

Después de esta introducción a la vida y obra de nuestro personaje haremos un pequeño paseo por las salas de la exposición. 
1. RETRATO DE UN DESCONOCIDO
"Retrato de un campesino" (1905-06. Museo Thyssen)
Con esta obra del propio museo nos introducen en la muestra. Es la obra sin terminar del viejo jardinero y amigo Vallier. En ella mete el paisaje en el interior, en la terraza, es más, fusiona su personaje vestido con el traje azul de los campesinos de la Provenza, con el azul y verde de la naturaleza de detrás.
2. LA CURVA DEL CAMINO
Cézanne huía de las modernas carreteras y prefería, con su mochila y bártulos de pintar a cuestas, patear los caminos rurales, bosques o senderos montañosos y rocosos. A veces se cansaba mucho, sobre todo con la edad y la diabetes, pero insistía con una gran fuerza de voluntad. Son caminos de la Provenza, de los alrededores de París, incluso de sitios más lejanos como la Normandía o Suiza. Sus caminos nos invitan a entrar utilizando el recurso de la curva, pero en seguida nos bloquean el paisaje con hileras de árboles, o rocas o casas que nos impiden ver el horizonte. 
"El camino del bosque" (1870, Frankfort, foto cortesía del Thyssen para puntafinanews)
Obra de su etapa impresionista, donde lo que importa es la atmósfera general, los juegos y contrastes de luces en ese camino bloqueado al fondo con árboles frondosos y rocas. Se ve la degradación de tonos en los verdes y la pincelada típica de Cézanne que no es a base de pequeños toques nunca.
"Paseo en Chantilly" (1888, The Toledo Museum of Arts)
En la imagen superior vemos una vista de Chantilly, localidad cercana a París donde Cèzanne estuvo ese año alojado en el hotel de la Cour. También trabajó ese mismo año con Pisarro, Van Gogh y Gauguin. Sigue atendiendo un poco a los efectos lumínicos, pero interesándose cada vez más por sintetizar las formas. Estructura el paisaje de manera muy ordenada, lo compone como una naturaleza muerta: dos cuerpos de árboles en vertical a los lados, las formas horizontales del camino con las sombras, al fondo lo bloquea con el hotel, con sus formas geométricas. Pinceladas rápidas en paralelo con degradación de tonos, marcando los bordes de las formas con una tonalidad muy oscura.
3. DESNUDOS Y ÁRBOLES
En el interior de esta sala vemos desnudos de Cézanne, quien copió mucho esta temática en el Louvre, por ejemplo de Tiziano,Tintoretto o Poussin. Pero estas escenas en Cézanne no son de carácter mitológico, sino que forman parte del paisaje mismo. Las figuras de bañistas nunca las pintó del natural, las copiaba de modelos de fotos, revistas, grabados o su misma imaginación. Curiosamente separa los sexos. Hay una fuerte relación entre los paisajes pintados en la finca de Jas de bouffan y los bañistas.
"Bañistas"(1880. Detroit institute of Art)
Es casi una pintura simbólica, ya que los bañistas representados en el riachuelo que corre por la finca de Jas de Bouffan son los cinco amigos de juventud de Cézanne y no están pintados al natural en esos años. Todos ellos eran en realidad mucho más mayores entonces. Siempre repite los mismos puntos de vista de paisaje de la finca, con los castaños frondosos, casi humanizados, como la mano formada por hojas que parece secar al personaje de la derecha. En la figura humana busca los efectos plásticos. Se aprecian muy bien sus pinceladas en paralelo.
4. EL FANTASMA DE SAINT VICTOIRE
Nuestro artista venía observando la silueta de esta montaña toda su vida, desde que nació en Aix, hasta sus estancias en Jas de bouffan o los alrededores de Aix. Pero no será hasta principios de los años 80 cuando la individualice a ella sola en el paisaje. Desde entonces la representará más de setenta veces. Prefería pintarla desde lo alto de la colina de Les Lauves o desde la cantera Bibemus. Solía subir a pintarla a mitad de la tarde, pues esa luz de los atardeceres no desdibuja los contornos y las formas y colores quedan más nítidos. Precisamente pintando dos horas bajo una lluvia intensa en Les Lauves cogería la neumonía que le ocasionaría la muerte. La montaña domina sus paisajes, siempre desde la izquierda y nos aparece como una fuerza mágica que lo invade todo, como se aprecia en las obras de la Scotish National Gallery de Edimburgo o la de Cleveland Museum of Art, la primera de ellas con una vista en invierno y la segunda dentro de una colorida primavera.
"El aparador" (1873, Museo de Arte de Budapest)
En el lienzo "El Aparador" nos lleva al bodegón el paisaje de la Saint Victoire. Incluso la forma del aparador sube escalonada y ocupa todo el fondo como una gran masa marrón montañosa. Divide el mueble con dos tipos de naturalezas muertas: la de arriba, más clásica,donde los objetos no se comunican entre sí. La de abajo nos individualiza la silueta de la montaña con los valles donde se pone la fruta totalmente redonda y comunicándose entre sí, el plato con los bizcochos apilados, la botella y la copa con transparencias. Para hacer más veraz la formas de la naturaleza en sus bodegones Cézanne impregnaba de escayola el mantel y lo fijaba durante días en la misma posición, por eso los pliegues parecen tan acartonados.
"Naturaleza muerta con flores y frutas" (1890, Saaliche Museum of Berlin. web educastur)
En la imagen de arriba retomamos la idea de la montaña y ese paisaje exterior en un interior. Es la misma silueta de la Saint Victoire siempre, con las frutas en los valles, y ese ramaje verde con las coloridas flores que caen de manera muy natural.
"El cántaro de gres" (Fundación Bayeler, 1890. foto www.elimparcial.es)
En la serie sobre el cántaro de gres vemos un Cèzanne interesado por las formas geométricas, el color, las  esferas marcando mucho el borde con tonos oscuros y degradando los tonos hacia el interior. Siguen los pliegues montañosos en el cortinaje de la izquierda, la presencia del cántaro que lo domina todo, situado siempre en el mismo punto. En esa imagen ya juega con dos puntos de vista diferentes, como luego lo hará el cubismo. Es una pintura cada vez más sintética y abstracta.

Por otro lado conviene recordar que, a pesar de ser Cézanne un hombre tímido, solitario, muy centrado en su pintura y en la naturaleza, sus obras no reflejan ese carácter tan cerrado que podría haber dado lugar a trabajos más oscuros. Todo en él es luz y color. Aunque si que es verdad que en los paisajes nunca hay un horizonte amplio, despejado o abierto ¿ será por lo introvertido que era?
5. JUEGO DE CONSTRUCCIONES
Llegamos al final de la exposición donde nos muestran obras en las que Cèzanne trabaja el paisaje con cierto clasicismo, ordena la composición con formas geométricas . Sintetiza las formas, todo en él es geometría, usa de planos de color diferentes, gradación de tonos, así como perspectivas diversas. Los cubistas se inspiraron en él. Sus vistas de Gardanne son totalmente cubistas, como un juego de construcciones. En ese escalonado pueblo francés hay una placa que recuerda que ahí nació el Cubismo.
"Gardanne"(1885-86. Metropolitan. Foto de www. traveler.es)
Termino este blog animándolos, a los que todavía no lo hayáis hecho, a visitar la muestra cuanto antes. Y si queréis una visita privada no tenéis más que poneros en contacto con nosotros, por ejemplo, a través de la web www.siema.es. También el verano es una buena época para recorrer la ruta Cézanne en la Provenza francesa. Los lugares emblemáticos están marcados por una C como la fotografía de abajo



jueves, 27 de marzo de 2014

El Jardín de Parque Florido (Museo Lázaro Galdiano)

Siguiendo con nuestra visita al Museo Lázaro Galdiano habría que decir que ésta quedaría muy incompleta sino se visitara también el jardín. La mayoría de las veces los visitantes acceden directamente por Serrano a la puerta de entrada principal al Museo y no ven, para mi lo más bonito, la escalera de bajada desde el pórtico principal a la calle Claudio Coello. Por eso con esta entrada y sus imágenes pretendo completar la entrada anterior publicada sobre dicho museo
"Entrada del Museo Lázaro Galdiano por la calle Serrano, donde ya se divisan los grandes árboles que nos hablan de su jardín"
Es un auténtico jardín escondido que rodea todo el palacete. En la construcción de la vivienda se mezclan elementos del plateresco, muy visibles en la decoración interior de la planta noble, pero también en los remates de la torre, y del neoclasicismo. En el diseño paisajístico, los Spalla de Turín trabajaron dos concepciones muy distintas de jardín, siguiendo ese eclecticismo tan propio del Madrid de finales s.XIX y comienzos del sXX. Por un lado el clasicismo francés, con sus puntos de vista alto, sus simetrías y parterres. Este tipo de jardín es el que se divisa desde la escalera y pórtico. También se sitúan en ese lado dos entradas simétricas junto a la verja de hierro para uso de carruajes, salida y entrada a la vivienda, y peatones.
"Bella, elegante y simétrica escalera que, con una forma ondulante (en gradas y balaustrada)desciende desde el pórtico de entrada


Las imágenes de arriba corresponden a la entrada original de la familia, que daba a la calle Claudio Coello. Para verla hoy recomiendo ir a la parte de atrás del Museo Lázaro Galdiano y subir las escaleras. Todo en este pórtico es clasicismo: la arquitectura y el jardín situado delante. Tiene planta cuadrada y cubierta plana con terraza y balaustrada. En los laterales se abren dos grandes puertas con arco de medio punto y verja de hierro, una de las cuales comunica con la escalera de bajada, como se aprecia en el lado izquierdo de la fotografía de abajo. La puerta central está flanqueada por dos nichos clásicos, rematados con frontón semicircular, que contienen dos esculturas clásicas femeninas.

La bajada al jardín de la parte trasera, que es por donde se entra en la actualidad, se hace por medio de caminos sinuosos, hayas, praderas, partes con mosaicocultura en el jardín, bojs, rosales y decoración floral. Es decir un diseño más inglés y romántico.
"Enlace del pórtico con esta esquina del palacete, visto desde el jardín"
Desde el pórtico y jardín se aprecian detalles como el de la imagen superior. El enlace de la terraza del pórtico con esta esquina del palacete. Se aprecia la combinación de muros de ladrillo rojo, con piedra en las esquinas y remates o adornos de los balcones y ventanas. Como las ménsulas clásicas que sostienen el balcón, su remate con prontón semicircular partido. el remate de molduras rectas de las ventanas de arriba. La línea de piedra blanca que recorre y separa los diferentes pisos.
"Jardín inglés que recorre los muros laterales del edificio, donde se sitúan algunas esculturas de la colección de Lázaro Galdiano"
Para saber más recomiendo visitar la revista especializada de la Fundación Lázaro Galdiano, Goya, en el número 261, de 1997, hay un artículo sobre el "Jardín de Parque Florido" (escrito por C. Añón y M. Luengo)